Teilsammlung Fritz Degel: Europa, Süd West

Mit dem Namen lyra werden in Griechenland zwei Instrumente bezeichnet, die man zu den gestrichenen Kurzhalslauten zählt. Nur selten kommt im Festland im Grenzgebiet zur Türkei die podiaki lira vor, die auch als kemedzes oder auch pontische lira bezeichnet wird. Sie entspricht weitgehend der flaschenförmigen, türkischen Schwarzmeergeige karadeniz kemanche; diese wird im Kapitel Vorderasien beschrieben.

Weitaus häufiger ist die zweite Form anzutreffen, die vor allem auf den Ägäischen Inseln und in Kreta zu finden ist und die oft auch kretische Lyra genannt wird. Diese besitzt einen birnenförmigen Körper, Bauch (kafki), Hals (lemos) und Wirbelhalter (kefali) werden normalerweise aus einem Stück Hartholz herausgearbeitet. Die Korpusdecke wird aus einer Koniferenart hergestellt und weist zwei D - förmige Schalllöcher ( matia = Augen ) auf. Drei Darm - oder Metallsaiten werden am oberen Ende der meist hinterständigen Wirbel (striftalia) befestigt und verlaufen zum unteren Korpusende zu einem Vorsprung (oura) an dem der Saitenhalter (kteni) befestigt ist. Das Instrument wird meistens in reinen Quinten gestimmt, z.B. g d1 a1. Ein Alleinstellungsmerkmal ist ein Stimmstock (stilos = Säule oder psihi = Seele), der als ein Fuß des Steges durch ein Schallloch auf dem Boden des Resonators steht und die Schwingungen direkt überträgt. Diese Stegform weisen auch die bulgarische gadulka und die dalmatinische lirica auf. Bis zum zweiten Weltkrieg hatte der konvexe Bogen der kretischen lyra eine rudimentäre Spannvorrichtung und kleine, kugelförmige Glöckchen (yerakokoudouna) zur rhythmischen Akzentuierung. Der heutige Violinbogen wird untergriffig geführt und die Saiten werden von der Seite her mit den Fingernägeln verkürzt. Beim Spielen wird das Instrument senkrecht auf den linken Schenkel gestützt oder zwischen den Schenkeln gehalten.
Die lyra scheint im alten byzantinischen Raum ihren Ursprung zu haben. Eine erste Erwähnung findet sich bei dem persischen Geographen Ibn Khurradadhbih im 9. Jahrhundert n.Chr, weitere Belege zeugen von der Verbreitung in Ostrom. Dieses Instrument scheint nach der Eroberung Konstantinopels als politiki lira (lira der polis = Stadt) in der Volksmusik überlebt zu haben und fand dann in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Eingang in die türkische klassische Musik. Man bezeichnet sie deshalb in der Türkei als klasik kemence oder  fasil kemencesi (fasil= Kunstmusik) und wird im Kapitel Mittlerer Osten in dieser Webseite beschrieben. Nach dem 1. Weltkrieg und dem verlorenen Krieg gegen die Türken  taucht das Instrument auf dem griechischen Festland in den Anfängen des rebetiko im Smyrna -Stil auf, meist in der Besetzung politiki lira, oud und Tambourin. Ein Hauptverbreitungsgebiet der lira wurde auch Kreta, wo es bis heute zum meist geschätzten Volksinstrument geworden ist. Im Zuge des Bevölkerungsaustauschs nach dem ersten Weltkrieg kamen viele kleinasiatische Flüchtlinge auf die Insel, die auch ihre Musik mitbrachten. So findet sich heute in der Volksmusik Kretas ein deutlicher orientalischer Einfluss, für den Skalen mit anderthalb Tonschritten und Vierteltönen charakteristisch sind.

Kretische Musik ist auch ähnlich wie die orientalische nicht polyphon,sondern monophon, allerdings hoch komplex durch die Verwendung verschiedener Tonskalen. Weil kretische Musik immer auch Tanzmusik ist, verwendet man einfache Rhythmen, meist einen 4/4 Takt. Der Lyraspieler ist die wichtigste Figur bei jedem Fest, er bestimmt den Ablauf, gibt die Themen vor, bestimmt das Tempo und die Improvisationen. Das Lyraspiel ist in aller Regel eine männliche Angelegenheit, die meisten Lieder richten sich an Frauen. Typisch dafür sind die mantinaden, halb gesungene, halb gesprochene, oft improvisierte Reimpaare im Wechsel zwischen Lyraspieler, Laouto und Publikum mit eingestreuten instrumentalen Intermezzi. "So können regelrechte Wort - oder Versgefechte ausgetragen werden, die oft mit Witz, Anzüglichkeiten, Erotik, Nostalgie oder sogar Beleidigungen gespickt sind" [694] Die mantinaden ..."machen den poetischen Teil der Dreiheit Musik, Dichtung (Lieder) und Tanz aus. Sie handeln von Liebe, Leidenschaft, der Schönheit des Lebens, der Freude, der Zuversicht, der Heimatverbundenheit, aber auch von Sorgen und Nöten und der Niedergeschlagenheit der Menschen".[694]
Ähnlich beliebt wie die mantinaden sind die risitika in der kretischen Musik. Neben ähnlichen Themen wie in ersteren werden hier aber auch Verlust und Befreiung, Widerstand und Rebellion, Kampf und Heldentum angesprochen. In immer neuen Varianten werden sie von einem Vorsänger vorgetragen und vom Chor beantwortet. Viele risitika entstanden als Reaktion auf die Unterdrückung zur Zeit der Türkenherrschaft und in der Zeit der deutschen Besatzung.

Der Tanz als dritte Hauptkomponente ist neben Dichtung und Musik auch heute noch ein unentbehrlicher Teil jedes kretischen Festes. Man unterscheidet fünf Hauptarten: erstens den syrtós kritis oder syrtós chaniotis, ein Wechsel zwischen langsamen und schnellen Passagen. Dann den pentozalis (Fünfschritt), welcher in einer Reihe getanzt wird,  den langsamen, schleppenden siganós, den quirligen, akrobatischen malevisiotis oder kastrinos und den Paartanz sousta.
Diese Vielzahl von tänzerischen Ausdrucksformen unterstreicht die Bedeutung dieser Kurzhalslaute in der Volksmusik Kretas. "Die lyra ist nicht nur das Markenzeichen und die "Stimme" kretischer Musik, sie ist das Symbol kretischer Identität schlechthin".[694]

Video Pontische und kretische Lyra [695]
Video Kretische Lyra [696]
Video Kretische Lyra beim Fest [697]
Video Lyra und Tanz [698]

Bei dem cifteli handelt es sich um eine zweisaitige Langhalslaute, die hauptsächlich im nördlichen Albanien beheimatet ist. Weniger verbreitet findet es sich in den übrigen Landesteilen, aber auch im westlichen Mazedonien, im Kosovo und  Montenegro. Der Ursprung liegt in der Zeit der türkischen Herrschaft, worauf der Name hindeutet:: cifte telli (türk) kann man als "Paar von Saiten" übersetzen. Andere Bezeichnungen für dieses Instrument sind tamerr, dyzen oder karadyzen in Nordalbanien, tomerr und tambura in Mittel- und Südalbanien.

Das cifteli besitzt einen Korpus in der Form einer halbierten Birne, wie er bei vielen Instrumenten der Dutarfamilie vorkommt. Er wird bevorzugt aus einem Block Maulbeerbaumholz herausgearbeitet. Die Schalldecke besteht aus Kiefern- oder Fichtenholz und wird oft mit landestypischen Motiven verziert. Der lange Hals ist mit elf bis 13 Bünden versehen, die teilweise beweglich sein können.. Die Stimmwirbel sind hinter- oder seitenständig direkt in den Oberteil des Halses eingebohrt, ein Wirbelkasten existiert nicht. Die höher gestimmte Melodiesaite und die tiefere Bordunsaite stehen im Quartintervall zueinander, es gibt aber auch andere Stimmungen. Regionale Varianten besitzen eine doppelchörige oder eine gemischte einchörige und doppelchörige Saitenanordnung, z.B. 1 + 2, 2 + 1, 2 + 2. Gespielt wird es mit einem Plektrum, oft werden  sowohl der Bordun als auch die Melodiesaite gleichzeitig angeschlagen. Man verwendet das Instrument teilweise zur solistischen Improvisation, seine hauptsächliche Bedeutung liegt aber in der Begleitung zum Gesang. Dabei wird oft als zweites Instrument eine sharki verwendet, eine größere Variante des cifteli, mit drei Einzel- bzw. Doppelsaiten in Quart und Quintabstand. Mit Begleitung durch eine dajre, eine einfellige Rahmentrommel mit Schellen und durch eine fyell, einem Mirliton aus einer seitgeblasenen Hohlröhre, deren Öffnungen mit Membranen aus Zwiebelschalenhaut, Seidenkokon oder Papier verschlossen sind, entsteht ein Ensemble, welches auch in der Tanzmusik verwendet wird. Immer häufiger werden westliche Instrumente wie Violine und Akkordeon in den Ensembles eingesetzt. Das cifteli gleicht der citelija, einer zweisaitigen Langhalslaute, die überwiegend in Südserbien und im Kosovo vorzufinden ist.

[607, Kap. cifteli, sharki, fyell]

Video Cifteli solo [711]
Video Cifteli mit sharki [712]
Video Cifteli Duett Improv. [713]

Die lira calabrese ist eine gestrichene Kurzhalslaute, die, wie der Name schon sagt, in Kalabrien/Süditalien zu finden ist. Sie geht auf die griechisch-byzantinische Lira zurück und steht damit in enger Verwandtschaft zu der kretischen lira, der türkischen lira (klasik kemenche), der gadulka Bulgariens und der dalmatinischen lirica. Kalabrien stand von alters her  in enger Beziehung zu Griechenland vor allem als Teil des antiken Magna Graecia und die griechischen Traditionen haben sich teilweise bis heute erhalten. In je neun Dörfern Kalabriens und Apuliens wird heute noch ein griechisch-kalabrischer Dialekt gesprochen, der sich aus altgriechischen, byzantinisch-griechischen und italienischen Elementen zusammensetzt. Über viele Jahrhunderte hat auch die lira calabrese in der Volksmusik dieser Region überlebt, hauptsächlich wohl weil sie eng verflochten ist mit der Aufführungspraxis der Tarantella, dem wichtigsten Volkstanz Süditaliens mit seinem typischen 6/8 Takt. Im 20. Jahrhundert bis gegen Ende der 70er Jahre allerdings schien das Instrument außer Mode zu kommen, dank einer Initiative aus Catanzaro und der Gruppe Re Niliu konnte dies aber verhindert werden. Man setzte sich Anfang der 80er Jahre mit den verbliebenen Liraspielern in der Locride (z.B. aus Siderno,Gioiosa Jonica und Agnana) und am Monte Poro in Verbindung. Man richtete Kurse ein um Bau und Spieltechnik des Instruments zu vermitteln.Seither hat die lira wieder Fuß fassen können und wird wieder häufiger gespielt: Vor allem in Ethno-Popgruppen scheint sie sich steigender Beliebtheit zu erfreuen. Sie wird aber auch solo zur Liedbegleitung und nach wie vor als wichtigstes Begleitinstrument zur kalabrischen Tarantella gespielt, oft zusammen mit tamburello (Tambourin mit Schellen), organetto (Ziehharmonika mit Knopfmechanik), chitarra battente (Gitarre mit fünf Doppelchören nach barockem Vorbild) und Doppelflöte.

Korpus, Hals und Wirbelplatte der lira calabrese werden aus einem Stück gearbeitet und bilden eine Einheit. Über den ausgehöhlten Resonator wird eine Fichtendecke geleimt.Die Form des Instruments entspricht manchmal, wie im nebenstehenden Beispiel, einer halbierten Birne, in etwa wie bei der kretischen Lira. Häufiger ist eine von unten zur Wirbelplatte sich  gleichmäßig verjüngende Form. Diese Platte bildet in den meisten Fällen ein spitz zulaufendes Dreieck, in das die drei Wirbel zum Stimmen der Saiten von hinten gesteckt sind. Diese können aus verschiedenen Materialien gefertigt sein, z.B. aus Pferdehaar oder Darm.. In die Decke des Resonators sind zwei runde oder halbkreisförmige Schalllöcher eingeschnitten zwischen denen der bewegliche Steg steht. Unter den rechten Fuß des Steges wird beim Spielen ein spatelförmiger Stimmstock geschoben, der den Steg mit dem Boden des Instruments verbindet und die Übertragung der Schwingungen verbessern soll. Das  Instrument wird im Sitzen auf das linke Knie oder den linken Oberschenkel aufgesetzt und mit der linken Hand am Hals leicht schräg gehalten während die rechte Hand einen einfachen Bogen führt. Man verkürzt die oberste Spielsaite mit den Fingernägeln der linken Hand, die anderen Saiten werden als Bordune benutzt. Das Instrument kann in verschiedenenTonhöhen gestimmt sein, die oberste Saite (cantino) entspricht dabei der 2. Stufe einer Durleiter, die mittlere Saite entspricht der 5. Stufe, (bordone) aber eine Oktave tiefer, und die dritte Saite ist auf die erste Stufe, (centro tonale) den Grundton der Leiter, wieder in der gleichen Oktave wie die cantino - Saite gestimmt. In G-Dur-Stimmung wäre die höchste Saite a, die zweite d (nach unten oktaviert) und die dritte dann der Grundton g.

In Gebrauch ist auch ein als lirone bezeichnetes größeres und tiefer klingendes Bassinstrument, das  sich ebenfalls in der Form meist zur Wirbelplatte hin gleichmäßig verjüngt. Da die Form der lira calabrese nicht eindeutig festgelegt ist, gibt es auch experimentelle Formen wie das rechts abgebildete Instrument zeigt. Es liegt in der Größe zwischen der normalen lira und der lirone und stammt vom gleichen Erbauer, der auch die links abgebildete, normale lira hergestellt hat. Dieses Unikat mit doppelt geschwungenem Korpusumriss hat er nach eigenen Angaben nach dem Vorbild eines heimischen Kürbisses ("cucuzza") geformt und benannt. Es besitzt eine ungewöhnliche Saitenaufhängung aus mit Holz verstärktem Lederband, welches unterständig an einem Fortsatz des Korpus eingehängt wird. Unüblich sind auch die drei Schalllöcher, zwei symmetrisch in D-Form angeordnet und eines rund sowie eine zweifarbige Holzart (Olive?) des Korpus und die Flammenform der Kopfplatte. [787][788]

Video Lira calabrese [789]
Video Lira calabrese [790]
Video Lirone [791]

bandurria und laud sind zwei spanische Volksmusikinstrumente, die man zu den Kurzhalslauten rechnen kann. Eine tuna, ein studentisches Ensemble aus mehreren Gitarren und mehrfach besetzten bandurrias und laudes, oft begleitet von einer oder zwei panderetes(Schellentambourin) ist an vielen spanischen Universitäten Bestandteil einer musikalischen Tradition. Man spielt überlieferte Studentenlieder (z.B. en esta noche clara) aber auch Volkslieder und international bekannte Ohrwürmner.Diese Tradition wurde auch von etlichen südamerikanischen Universitäten übernommen. (siehe Video 723). Auch in den rondallas, den Ensembles, die die jota aragonesa, den Nationaltanz in Aragon begleiten, sind bandurria und laud mit der Gitarre bis auf den heutigen Tag die Hauptinstrumente.

Die bandurria besaß früher einen birnenförmigen Korpus mit breiten Zargen und einem flachen Boden. Ein kurzer Hals war mit festen Bünden versehen und endete in einer massiven Wirbelplatte, durch die von hinten her die hölzernen Wirbel zur Aufnahme der Saiten gesteckt waren, wie das abgebildete, historische Instrument zeigt. Heute dagegen sind ausschließlich Mandolinen- oder Gitarrenmechaniken in Gebrauch, auch hat sich ein mehr eiförmiger Korpus  durchgesetzt (siehe Bandurria modern). Die sechs doppelchörigen Saiten sind an einem unterständigen metallenen Saitenhalter befestigt und verlaufen über einen aufgeleimten Steg mit einem Knochen- oder  Hartkunststoffriegel über das runde Schallloch zu den Stimmwirbeln.

Juan Ruiz erwähnt den Begriff mandurria im 14. Jahrhundert im Libro de buen amor, 1555 beschreibt Juan Bermudo die bandurria in seiner Comienca el libro llamado declaracio de instrumentos als ein dreisaitiges Instrument, merkt aber an, dass es auch vier und fünfsaitige Versionen gab. Bei der dreisaitigen Variante lagen die beiden äußeren Saiten im Oktavabstand, die mittlere war eine Quarte höher als die tiefe Saite gestimmt. Die Stimmung war meist d g d oder d a d. In der Barockzeit wies die bandurria meist vier oder fünf Doppelchöre auf mit der Stimmung CisCis  FisFis  hh  ee aa. Im 19. Jahrhundert wurde eine sechste Doppelsaite hinzugefügt und die Stimmung lautet bis heute GisGis  CisCis  FisFis  hh ee aa. Gespielt wird das Instrument mit einem Plektrum ähnlich wie eine Mandoline.

Mit den spanischen Eroberungen kam die bandurria auch auf die Philippinen und vor allem auch nach Mittel- und Südamerika. In Kuba begleitete man damit zusammen mit anderen Instrumenten den zapateo, eine Variante des spanischen zapateado - Tanzes. Auch in der Begleitung von vom spanischen Einfluß inspirierten kubanischen Liedern war die bandurria gefragt. Sie ist heute in verschiedenen Varianten von Saitenchören (doppelt, dreifach, vierfach) von Guatemala über die Anden Kolumbiens bis nach Chile bekannt. Die Kombination Harfe und bandurria cuzquena war in Peru vor allem um Cuzco im 20. Jahrhundert beliebt, Ensembles von bandurrias spielen gern den populären vals peruano oder vals criollo.

Die laud ähnelt in vielem der bandurria; sie hat die gleiche Saitenanordnung ( 6 mal zwei) und ist gleich gestimmt, aber eine Oktave tiefer. Die Saitenbefestigung und die Mechaniken entsprechen sich auch. Unterschiede liegen in der Form, die laud hat geschwungene Zargen, auch die Schallöffnung ist oft nicht einfach rund sondern besteht aus F - Löchern und/oder tropfenförmigen und runden Deckenausschnitten. Bei der laud setzt der Korpus am 12. Bund wie bei der Gitarre an, bei der bandurria aber schon am 7. Bund. Eine kubanische Variante der laud ist insgesamt kürzer und ist DD  FisFis  HH  ee  aa  dd  gestimmt. [607,Kap. Bandurria],[721][722]

Video Tuna südam [723]
Video Tuna [724]
Video Tuna [725]
Video Rondalla [726]
Video Rondalla [727]

In Portugal findet man etliche, nach Regionen und Landschaften verschiedene Abarten der spanischen Gitarre, die hier wie oben gesagt, meist als violao bezeichnet wird, manchmal aber auch guitarra classica oder guitarra espanhola heißt. Diese Arten sind meist kleiner als ihr Vorbild und werden darum diminutiv als viola bezeichnet. Im Gegensatz zur guitarra portuguesa, deren Korpus einfach gerundet ist und einen unterständigen Saitenhalter aufweist, sind die Zargen an den Seiten der verschiedenen Violaarten mehr oder minder stark eingezogen. Die Saiten sind auf der Decke auf einem aufgeleimten Saitenhalter mit Pins befestigt. Alle Arten werden in der Volksmusik zur Begleitung von einem oder mehreren Sängern benutzt, darüberhinaus werden sie auch solistisch oder in ganzen Ensembles oder Orchestern gespielt.

Die links abgebildete viola braguesa stammt, wie der Name schon sagt, aus Braga, der Provinzhauptstadt der Minhoregion im Norden Portugals und ist hier das populärste Instrument in der Volksmusik. Der Korpus hat die Form einer kleinen Gitarre mit nicht zu stark eingezogenen Seiten und einem flachen Boden. Auf der Schalldecke sticht im unteren Drittel der meist dekorativ gestaltete Saitenhalter ins Auge. Von hier verlaufen die Saiten zunächst über einen schmalen Steg und führen über die ebenfalls dekorativ  gestalteten Schallöffnungen hinweg über den relativ kurzen Hals mit zehn festen Metallbünden zu dem durchbrochenen Wirbelkasten mit Gitarremechaniken. Die hier vorliegende Kombination von drei Schalllöchern, einem Halbkreis mit zwei darüberliegenden tropfenförmigen Öffnungen ist traditionell überliefert und wird als boca de raia  (Rochenmaul) bezeichnet. Beim Betrachter entsteht aber zusammen mit der umschließenden Verzierung der Eindruck eines lachenden Gesichts. Die 10 Metallsaiten sind in fünf Doppelchören angeordnet, wobei die unteren drei Paare oktaviert sind. Man unterscheidet zwei Stimmungen, die man als moda velha (alter Stil) oder als mouraria velha (alter maurischer Stil) bezeichnet. Eine übliche Stimmung ist  cc1 gg1 aa1  d1d1  g1g1. Meistens in Ensembles werden zur Erweiterung des Tonumfangs kleinere Varianten der viola braguesa eingesetzt, die man als requinta oder in noch kleinerer Bauweise als requintinha bezeichnet. Sie werden in der Regel eine Quinte höher gestimmt. Im westlichen Portugal spielt man die viola toeira, die der viola braguesa sehr in Form und Ornamentierung ähnelt. Ihre zwölf Saiten sind in Dreifach- und Doppelchören angeordnet und zwar in folgender Stimmung: Aaa Ddd Gg hh ee.

Die rechts abgebildete viola beiroa wird im östlichen Teil Portugals in der beira baixa nördlich des Tejo um die Stadt Castelo Branco gespielt. Sie ist etwa gleich lang wie die Bragaversion, im Gegensatz dazu ist der Korpus aber stark tailliert. Das Schallloch ist einfach rund gestaltet. Eine Besonderheit ist, dass das Instrument über zehn Hauptsaiten verfügt und über zusätzlich zwei hohe Bordunsaiten. Sie werden über Wirbel gestimmt, die in einem kleinen, seitlich am Hals befestigten Wirbelbrettchen sitzen und verlaufen über einen kleinen, auf der Decke aufgeleimten Steg zu dem Saitenhalter mit sieben Pins, fünf für die Doppelchöre und zwei für die Bordune. Alle Saiten laufen über einen Steg, der kurz vor dem Saitenhalter steht und führen über den Hals mit zehn festen Metallbünden zu einem Wirbelbrett, bei dem die Aufnahmestifte von unten durch das Brett hindurchgeführt sind. Für die viola beiroa wird folgende Stimmung angegeben:  Aa  Dd  Gg  hh  dd, die Bordune sind ebenfalls auf dd gestimmt.
Nördlich von Porto um die Stadt Amarante spielt man die viola amarantina. Typisch für sie sind zwei symmetrisch angeordnete herzförmige Schalllöcher. Sie hat ebenfalls zehn Saiten mit der Stimmung Dd Aa Hh ee aa. Südlich des Tejo in der Landschaft Alentejo spielt man die viola campanica, deren Name schon auf ihre ländliche Herkunft verweist. Sie ähnelt sehr der viola beiroa mit ihrem stark eingezogenen Korpus, verfügt aber nicht über deren Bordune. Sie besitzt zehn Bünde und zusätzlich noch einige auf der Decke, das Schallloch wird oft mit einer Windrose verziert.

Außerhalb des portugiesischen Festlandes auf den verschiedenen Inseln der Azoren findet sich noch eine ganze Reihe von ähnlichen Volksgitarren. Man bezeichnet sie manchmal auch als viola da terra (Erde) oder viola de arame (Draht). Eine häufig anzutreffende Stimmung für die 12-saitige Variante lautet: a a1a1  d d1d1   g g   h h   d1d1. Auf der Insel Terceira z.B. findet man die fünfzehnsaitige viola terceira, auch sie ist in dreifachen und doppelten Chören gestimmt: Eee Aaa Ddd Gg hh ee. Auch in Brasilien finden sich noch verschiedene Volksmusikinstrumente, die mit den portugiesischen verwandt sind und den Namen Viola tragen, wie z.B. die viola de Queluz.
[607, Kap. viola (ii)][738]

Video viola braguesa [739]
Video viola braguesa [740]
Video viola beiroa [741]
Video viola beiroa [742]

Das timple, das hier links abgebildet wird, ist eine kleine Gitarrenart, die auf den Kanarischen Inseln zu einem der typischen Saiteninstrumente geworden ist. Die Guanchen, die Ureinwohner dieser Inselgruppe, die ab 1402 von den Portugiesen unterworfen wurden, kannten keine Saiteninstrumente. Dies bezeugt der spanische Dichter Antonio de Viana, der um 1600 auf Teneriffa lebte. Er beschreibt auch, dass Kolonisten Gitarren mitgebracht hätten. Um 1752 veröffentlicht in Madrid Pablo Minguet ein Lehrwerk für Gitarre, Bandola und tiple, wie das Instrument damals genannt wurde. Ein Vergleich mit den heutigen Instrumenten zeigt, dass das damalige tiple die gleiche Saitenanordnung und die gleiche Stimmung aufwies wie das heutige. Auch die Spielweise war identisch. Später wurde in der Mitte des Wortes der leichteren Aussprache wegen ein m eingefügt (Epenthesis). Man kann annehmen, dass schmalere Formen der Renaissance - oder Barockgitarre als Vorläufer anzusehen sind. Vieles deutet darauf hin, dass die ersten timples auf Lanzarote gebaut wurden.

Das kanarische timple hat normalerweise 5 Stahlsaiten, die in einer Oktave g1 c1 e1 a1 d1 gestimmt werden. Bei einer Variante auf Teneriffa fehlt die G - Saite. Der Saitenhalter ist auf der Decke aufgeleimt, die Wirbel sind von hinten durch die Wirbelplatte hindurchgesteckt. Der Korpus ist schlanker und weniger eingezogen als bei Gitarre und Cavaquinho. Die ebene Decke wird aus Zirbelkiefer-, Zedern- oder Lindenholz gefertigt. Zargen und Boden werden aus dem Holz des Guajakbaumes, aus Ahorn-, Zypressen- oder Walnussholz. Die Zargen sind an den Enden 5 cm und in der Mitte  6 cm hoch. Auf sie ist als Alleinstellungsmerkmal ein gewölbter Boden aufgesetzt, der in der Mitte eine Höhe von 8,5 cm aufweist. Das timple zeigt damit eine ähnliche Bodenform wie die mexikanischen Instrumente  vihuela und guitarron, wo man diese Bauweise als pecho de gallo  (Hühnerbrust) bezeichnet. In Anlehnung zu der Nähe des afrikanischen Kontinents nennt man es auf den Kanaren camellito sonoro (klingendes Kamelchen). Man kann das timple ähnlich wie die Gitarre im punteado (Melodie), arpeggio (harfenartig nacheinander), oder rasgueado ( gleichzeitig über alle Saiten) spielen. Es dient haupsächlich als Begleitung zu Lied und Tanz, oft zusammen mit anderen Instrumenten wie Gitarre und Bandurria.

Im Zuge der Eroberungen und des nachfolgenden kolonialen Handels verbreiteten sich die Kleingitarren von Spanien und Portugal unter dem Namen tiple rasch aus und sind heute in Mittel- und Südamerika sowie in Südoststasien anzutreffen. Das kanarische timple ist wohl als Vorläufer des tiple columbiano anzusehen, das ursprünglich vier einzelne Darmsaiten aufwies. Heute ist es ein Instrument etwas schmaler als eine Gitarre, welches vier Triplechöre aufweist, wobei die mittlere Saite der drei unteren Paare eine Oktave tiefer eingestimmt wird. Es wird wie die vier obersten Saiten der Gitarre eingerichtet: d g h e. Das tiple Venezuelas ist baugleich, aber schmaler und wird auch als guitarro segundo bezeichnet. In Guatemala und Peru werden fünfsaitige Varianten als guitarrilla bezeichnet. In Puerto Rico gibt es timples mit 3 bis 5 Einzelsaiten und vielen verschiedenen Stimmungen. Man unterscheidet fünf Arten: tiple grande de Ponce, tiple con macho, tiple doliente, tiple requinto costanero, tiple requinto de la montana mit einer Größe zwischen etwa 60 und 30 cm. In Kuba wird eine schmale Bandurriaform mit fünf Saitenpaaren als tiple bezeichnet. Auch in der Dominikanischen Republik, Uruguay und Argentinien findet man Formen des tiple. Nicht zuletzt geht auch das fünfsaitige kroncong Westjavas und das dreisaitige tiape der Philippinen auf die spanisch-portugiesische Kleingitarre zurück.[607,Kap. tiple, Kap. guitar §8][747][748]

Video Timple [749]
Video Timple [750]

In den späten sechziger Jahre des 19. Jahrhunderts wurde die Bouzouki Griechenlands von irischen Musikern aus der Folkszene eingeführt, die sich die Wiederbelebung der traditionellen irischen Musik zum Ziel gesetzt hatten. John Pearse überließ Johnny Moynihan ein aus Griechenland mitgebrachtes Instrument und dieser setzte es nach anfänglichem Zögern zusammen mit Andy Irvine bei der Gruppe Sweeney´s men ein. Eine größere Bekanntheit erreichte das neu eingeführte Instrument als Irvine zusammen mit Donal Lunny in der sehr bekannten irischen Formation Planxty Duette mit zwei Bouzoukis oder der Kombination Bouzouki und Mandoline spielten. Begleitete man zunächst traditionelle und zeitgenössische irische Balladen und Volkslieder, verlagerte sich der Schwerpunkt nach und nach auf die akkordische Begleitung irischer Tanzmusik beim ceili´. Heute ist der etwas exotische Klang der irish bouzouki zu einem festen Bestandteil im Repertoire vieler Gruppen geworden.

Bei der Übernahme des griechischen Volksinstruments in die irische Musik wurde die Bouzouki auch von der Bauweise her modifiziert. Während das Vorbild aus dem Mittelmeerraum einen gerundeten Resonatorboden aus einzelnen Spänen besitzt, ist der Boden der irish bouzouki flach und wird aus 1 bis 3 Teilen zusammengesetzt. Die griechische Bouzouki zählt zu organologisch zu den Schalenhalslauten während das irische Pendant zu den Kastenhalslauten zu zählen ist. Das erste Instrument in dieser neuen Bauweise wurde wohl von dem Engländer Peter Abnett um 1970 in Zusammenarbeit mit dem oben erwähnten Donal Lunny entwickelt und gebaut. Wie das griechische Muster besitzt die irische Variante 4 doppelchörige Saiten, bei denen die beiden tiefer gestimmten Saitenpaare oktaviert sein können wie im links abgebildeten Instrument. Häufig anzutreffende Stimmungen sind GG dd aa d1d1 oder AA dd aa d1d1, seltener wie bei meinem Instrument Gg dd1 aa e1e1. Die letztere kommt den Violin- und Mandolinspielern, die auf die irish bouzouki umsteigen wollen entgegen. Allerdings hat das Instrument in den tieferen Lagen eine recht weite Mensur, so dass man die üblichen Fingersätze nicht so einfach übertragen kann. Die zuerst angeführte Stimmung hat sich weitgehend durchgesetzt, sie führt zu einem offenen Klang, da die Terz meist ausgelassen wird. Mit einem einfachen Griff kann man die Töne AA dd aa d1d1 erzeugen; dieser Akkord ist nicht auf Dur oder Moll festgelegt.

[607, Kap. Bouzouki][756]

Video irish bouzouki Donal Lunny [757]
Video irish bouzouki  Andy Irvine [758]
Video irish bouz. Lunny und Irvine [759]
Video irish. bouz. Planxty [760]

Die Sackpfeife oder auch Dudelsack, englisch bagpipe, französisch cornemuse, ist ein Blasinstrument, das aus einer Spielpfeife und einer oder mehreren Bordunpfeifen besteht, die alle aus einem Sack mit Luft versorgt werden. Dieser wird unter den Arm des Spielers geklemmt und als Reservoir mit einem Anblasrohr gefüllt, das mit einem Lederstück als Rückschlagventil ausgestattet ist. Der Vorteil liegt darin, dass man einen gleichmäßigen Blasdruck und Luftstrom erzeugen kann. Sackpfeifen sind Bestandteil traditioneller Musikkulturen vieler Nationen, sie sind hauptsächlich  in Europa bis nach Asien und über Nordafrika  verbreitet.Vor allem in Großbritannien, Irland, der Bretagne, Nordwestspanien, Bulgarien und Tunesien hat sich der Dudelsack eine herausragende Stellung in der Volksmusik bewahren können, in Schottland ist die Great Highland Bagpipe das Nationalinstrument schlechthin. Die weite Verbreitung hat auch regional unterschiedliche Ausprägungen hervorgebracht. Diese Unterschiede liegen z.B. in der Konstruktion der Spielpfeifen: es gibt konisch gebohrte und zylindrisch gebohrte, die sich klanglich stark unterscheiden. Erstere besitzen generell  ein Doppelrohrblatt, letztere, sowie die Bordunpfeifen, verfügen über ein Einzelrohrblatt, aber es gibt auch Ausnahmen davon. Ferner ist die Anzahl der Bordunpfeifen und deren Stimmung unterschiedlich. Manche Instrumente haben doppelte Spielpfeifen und manche besitzen Klappen zur Erweiterung des Tonumfangs, z.B. die irische uilleann pipe. Der Luftsack wurde früher aus dem ganzen Fell eines Schafs oder einer Ziege hergestellt, wobei die haarige Seite nach innen gewendet war. Die Pfeifen wurden ursprünglich direkt in den Hals und Fußteil des Fells eingenäht. Heute werden meistens mehrere Holzsockel im Fell befestigt, in die man die Pfeifen leicht einstecken kann. Moderne Pfeifen werden aus Ebenholz, Cocus (brya ebenus) und Afrikanischem Schwarzholz (Grenadill, dalbergia melanoxylon) hergestellt, sie ersetzen das Holz des Buchsbaums und das Holz von Obstbäumen, die man früher verwendete. Die Enden der Instrumente und ihre Verbindungsteile wurden mit Hülsen und Klemmringen aus Elfenbein (vom Walross), Metall oder Knochen verstärkt.

In der Antike finden sich keine Hinweise oder Funde der Sackpfeife. Die historische Aufzeichnung beginnt im frühen Mittelalter. Das Wort musa für Sackpfeife erscheint zusammen mit tibiae und fistula als Bezeichnung für Flöten in der Epistula de armonica institutione verfasst von Regio von Prüm (842 - 915). Der Ausdruck estive ebenfalls als Bezeichnung der Sackpfeife erscheint in der mittelalterlichen Dichtung Frankreichs. Ein angelsächsisches Rätsel des 10. Jahrhunderts scheint sich auf einen Dudelsack zu beziehen. Adam de la Halle erwähnt eine Bordunpfeife in seinem Jeu de Robin et de Marion (1283) und eine solche ist auch aus dieser Zeit in England erhalten. Im frühen 14. Jahrhundert war die bagpipe auf den Britischen Inseln ein weit verbreitetes volkstümliches aber auch höfisches Instrument. Im 15. Jahrhundert erscheinen Bezeichnungen wie muse, musette, cornemuse, sacomuse, chevrette, ture - lure, loure und vèze für die Sackpfeife in Frankreich. Eine durchgängige Spieltradition der bagpipe ist in historischen Quellen in Lincolnshire (16. Jahrhundert) und Lancashire (18. Jahrhundert) nachgewiesen, im 18. und 19. Jahrhundert wird in Irland und Northumberland die bagpipe zu ihrer heutigen Form weiterentwickelt.

Die great highland bagpipe, schottisch - gälisch a´phiob mhor, war seit dem 16. Jahrhundert ein kriegerisches Instrument, mit dem man in die Schlacht zog. Sie wurde auf Grund ihres durchdringenden Tones auch in Friedenszeiten fast ausschließlich im Freien bei Umzügen und Beerdigungen gespielt. In Form und Aussehen ist die scottish bagpipe, wie sie auch genannt wird, weitgehend standardisiert. Sie besitzt drei Bordunpfeifen, zwei in Tenor und eine in Basslage, eine Spielpfeife und ein Anblasrohr. Dieses ist ziemlich lang und erlaubt eine günstige Spielhaltung, nämlich den Windsack unter dem Arm fest einzuklemmen und gleichzeitig den Kopf aufrecht zu halten. Die Bordunpfeifen mit einer Länge um die 40 cm streben fächerartig auseinander und werden mit geschmückten Kordeln auseinandergehalten während der etwa 80 cm lange Bassbordun auf der Schulter des Spielers liegt. Der Ton der beiden Tenorbordune liegt eine Oktave unter dem Ton des sechsten Fingerlochs (meist a1) und der Ton des Bassborduns wiederum eine Oktave tiefer als der der Tenorpfeifen. Die Spielpfeife besitzt eine weite, konische Bohrung mit 8 Grifflöchern und zwei weitere Bohrungen, die nicht abgedeckt werden. Während man früher oft Cocus und Grenadill zur Herstellung der Pfeifen verwendete (siehe oben) weicht man heute auf feuchtigkeitsunempfindlichere Kunststoffe wie Polypenco aus. Auch bei der Anfertigung des Windsacks wird an Stelle des Leders das pflegeleichtere, synthetische Gore - Tex verwendet. Verstärkungs- und Klemmringe aus Elfenbein und Knochen werden durch Imitate aus Kunststoff und Metall ersetzt. Auch die Einzelrohrblätter aus Schilfrohr in den Bordunen mit ihrer eingschnittenen Zunge sind sehr empfindlich und werden ebenfalls aus Kunststoff oder Metall  hergestellt. Das Doppelrohrblatt der Spielpfeife aus Pfahlrohr wird meist noch wie früher benutzt. Zusammen mit der konischen, weiten Bohrung ist es für den obertonreichen, durchdringenden Klang verantwortlich.

Die Tonskala der great highland bagpipe setzt sich aus den Tönen g1 a1 h1 cis2 d2 e2 fis2 g2 a2  zusammen, allerdings etwas abweichend von der üblichen temperierten Stimmung, so dass es schwierig ist, mit solchen Instrumenten zusammen zu spielen. Eine weitere Schwierigkeit beim Spiel der highland bagpipe  besteht darin, dass  man eine Tonleiter nicht durch sukzessives Öffnen der Löcher erzielen kann. Wenn man mittlere und hohe Töne spielen will, müssen einige der Löcher für tiefere Töne geschlossen gehalten werden. Obwohl theoretisch durch teilweises Schließen zusätzliche Halbtöne erzeugt werden könnten ist in der Praxis das gesamte traditionelle Repertoire auf die oben erwähnten neun Töne begrenzt. Oft akzeptiert man bei der Übernahme von Musik aus anderen Quellen unübliche Reibungen, z.B. ein g an Stelle eines gis.

Die highland pipe wird in Schottland oft solistisch eingesetzt, dabei kommen die instrumentenspezifischen grace notes besonders zur Geltung. Man versteht darunter sehr kurze Töne zwischen den einzelnen Tönen der Hauptmelodie. Daneben haben sich  pipe bands etabliert, das sind Spielmannszüge, die nach militärischem Vorbild nur mit bagpipes und Trommeln besetzt sind. Landestypisch mit dem Schottenrock kilt gekleidet, sind sie Teilnehmer von Aufmärschen und  tattoos, einer Art militärischem Zapfenstreich. Bei großen Veranstaltungen dieser Art, wie dem Edinburgh Military Tattoo, nehmen Hunderte  von bagpipers und drummers teil. Sie spielen  zusammen mit marching bands, Kapellen, die mit herkömmlichen Blechblasinstrumenten besetzt sind.[607, Kap. Bagpipe][766]

Um eine highland bagpipe zu spielen ist ziemlich viel Lungenkraft notwendig. Um Stücke ohne großen Kraftaufwand einzuüben benutzt man eine practice chanter (Übungsflöte), wie nebenstehend gezeigt. Sie hat eine Miniwindkapsel und die gleiche Grifflochanordnung wie die eigentliche Spielflöte der bagpipe.

Hier bezeichnet man die Strohvioline als higheghe oder als vioara cu goarna ( Violine mit Horn). Während Bela Bartok in dieser Gegend bei seinen Feldrecherchen 1909 - 1917 und auch der Musikforscher Traian Marza bei seinen Untersuchungen 1961 - 1973 kein einziges Musikstück für dieses Instrument aufzeichnen konnten, notierte 2005 der Musikethnologe Mircea Campeanu 260 Tanzmelodien, von denen mehr als die Hälfte auf der higheghe gespielt wurde. Sie scheint in sehr kurzer Zeit zum wichtigsten Instrument in der Volksmusik von Bihor geworden zu sein; vornehmlich gilt dies für die Tanzmusik, die dort nicht nur bei familiären Festen eine große Tradition besitzt.

Einen großen Anteil an diesem überraschenden Erfolg scheint der 2012 verstorbene Dorel Codoban zu haben, ein Musiker, der bei einem Auftritt 1965 in Serbien in einem Laden eine Strohvioline hängen sah. Er baute sie zu Hause nach und verwendete dazu den Trichter einer Trompete, die in der kommunistischen Jugendorganisation Rumäniens gespielt wurde. Ein altes Grammophonteil, das ihm ein Nachbar überließ, diente als Verstärkungseinheit. Seither hat er einige hundert Exemplare von higheghe gebaut und damit entscheidend zur Popularität dieser Violine beigetragen. Wie in dem Bild links ersichtlich ist besitzt die rumänische Variante von ihrer Entstehungsgeschichte her einen viel schlankeren Trichter als ihr Vorbild. Er ist immer auch fest mit dem Korpus der Violine verbunden, gleichzeitig fehlt der Monitortrichter.