Teilsammlung Fritz Degel: Europa, Nord Ost

Das hier dargestellte ungarische cimbalom ist eine Konzertvariante des Hackbretts. Dessen Geschichte habe ich im Kapitel Mitteleuropa an entsprechender Stelle beschrieben.

Im Gegensatz zum zentralen Europa hat sich das Hackbrett in seiner jeweiligen lokalen Variante in der Volksmusik in anderen Regionen des Kontinents, vor allem im Osten, seine bedeutende Rolle erhalten können. In Ungarn wird es in seiner einfachen Form, aber auch in seiner Konzertform als cimbalom bezeichnet. Hier ist es seit Mitte des 16. Jahrh. bekannt und wurde wahrscheinlich von hier aus im 17. Jahrhundert durch wandernde Musikanten verbreitet. Unter ähnlichem Namen und lokal etwas unterschiedlichem Bau findet es sich heute in Rumänien (tsambal), in der Ukraine (cymbaly), in Weßrussland (tsimbali), in der Moldau ( tsimbal ), in Polen ( cymbaly ), in Lettland ( cimbole ) und in Litauen ( cimbolai ).

Das einfache ungarische cimbalom, das teilweise heute noch gespielt wird, war anfänglich recht einfach aufgebaut. Es besaß 20 - 25 Saiten, meist zwei bis fünfchörig mit einem oder zwei Teilungsstegen zur Erweiterung des Tonumfangs. Man legte es auf die Knie oder einen Tisch, manchmal wurde es auch im Stehen mit einem Gurt um den Hals  gespielt. Die Saiten waren oft diatonisch angeordnet. Dieses weit verbreitete Volksinstrument wurde mit zwei ungepolsterten Hämmerchen angeschlagen.

Nach 1870 wandelte der aus Tschechien stammende Josef V. Schunda dieses Basisinstrument in ein  konzerttaugliches um. Er stellte es auf vier Beine, fügte weitere Stege hinzu, erweiterte die Saitenanzahl zu einer vollchromatischen Skala von D bis e´´´. Er veränderte die Lage der Schallöffnungen und stabilisierte das Instrument im Innern durch eine Metallkonstruktion, die die jetzt höhere Zugbelastung durch die Saiten aufnehmen konnte. Eine bedeutende Neuerung war auch die Einführung eines Dämpfungsmechanismus, mit dem man das unerwünschte  Überklingen der Saiten unterbinden konnte. Diese Neuschöpfung wurde rasch in der Praxis angenommen und ist heute in den taraf -Ensembles Rumäniens und den Zigeunerkapellen Ungarns ein unverzichtbarer Bestandteil. Einesteils umspielt das cimbalom die Hauptmelodie (meist der Violine) oder alteniert mit dem Baßgrundschlag. Darüber hinaus sind zahlreiche Kompositionen für das Instrument entstanden, die von hervorragenden Solisten virtuos interpretiert werden. Auch in die Kunstmusik wurde das Instrument übernommen.

Das mit dem einfachen ungarischen Volks-Cimbalom verwandte rumänische tsambal ist überwiegend in den Regionen Oltenien, Muntenien und Moldawien anzutreffen. Es wurde 1546 erstmals erwähnt und hatte normalerweise 20 bis 25, im nebenstehenden Beispiel 22 Saiten, die in diesem Fall zwei bis fünfchörig sind. In städtischen Ensembles verwendet man größere Instrumente mit bis zu 35 Saiten, die teilweise schon einen einfachen Dämpfungsmechanismus haben können oder voll  ausgestattete Konzertinstrumente darstellen.[429,Kap.Rumänien]

Das tsimbali Weißrusslands hat normalerweise 12 - 24 Saiten mit 4 bis 5 Chören, manchmal davon abweichend auch von 2 bis 8. Das Instrument wird in verschiedenen Größen gebaut und hat einen Tonumfang zwischen 1 1/2 und 2 1/2 Oktaven. Die Stimmung kann sehr unterschiedlich sein, es werden diatonische, teilchromatische und Ganztonstimmungen erwähnt. Die Instrumente werden im Sitzen mit ungepolsterten Hämmerchen  auf den Knien des Spielers liegend  angeschlagen oder stehend mit einem Gurt um den Hals. Sie dienen fast ausschließlich dem Spiel im volkstümlichen Ensemble.

[607 Kap.cimbalom, dulcimer, cymbaly][608]

Video taraf-Ensemble [609]
Video Cimbalom Solo [610]
Video Cimbalom mit Orchester [611]
Video Ungar. Zigeuner [612]
Video ukrain Cymbaly [613)
Video Tsambal [613 A]
Video Tsambal mit Orchester[613B]
Video Tsambal mit Orchester [613C]

Wie im vorausgehenden Artikel dargestellt, hat sich die klassische bandura aus der kobza durch Vermehrung der prystrunky und die Aufgabe der Bünde auf dem Griffbrett herausgebildet, die logischerweise nicht mehr gebraucht wurden. Sie wurde zum ukrainischen Nationalinstrument, dessen Entwicklung ausschließlich imLand selbst stattfand und auch nur hier gespielt wird. Die erste Erwähnung eines ukrainischen Banduraspielers stammt aus einer polnischen Chronik von 1441.

Diese erste klassische Form hatte 20 - 24 diatonisch gestimmte Metallsaiten. Der Korpus war aus einem Stück Holz herausgearbeitet mit einer Decke aus Fichte oder Tanne, auch die Wirbel waren aus Holz gefertigt. Sie wird im Sitzen gespielt, parallel zum Körper des Spielers oder leicht zur Seite hin geneigt, um eine bessere Sicht auf die Saiten zu haben. Der untere Teil wird dabei auf die Knie gestützt, weil die Instrumente ein beträchtliches Gewicht haben. Die linke Hand umgreift den Hals und zupft die darüber verlaufenden Begleitsaiten, die rechte Hand spielt die Melodiesaiten. Diese Spieltechnik ist weitgehend bis heute erhalten geblieben.

Wie ihr Vorgänger die kobza,die von ihr nach und nach abgelöst wurde, war die bandura ein beliebtes Instrument an den Fürstenhöfen Osteuropas, wo sie hauptsächlich zur Gesangsbegleitung und für die Tanzmusik Verwendung fand. Große Popularität genoss sie wie die kobza auch bei den ukrainischen Kosaken, was durch ikonographische Zeugnisse vielfach belegt ist. Bei ihnen bildete sich ein breites Repertoire von Liedern mit Begleitung von kobza und bandura aus (siehe Videos). Aus ihren Reihen sollen auch die ersten kobzari gekommen sein, professionelle Musiker, die einen eigenen, epischen Stil entwickelten, den man als duma (ukr. = Überlegung, Nachdenken) bezeichnet. Begleitet von der kobza/bandura erzählen die dumy (plur) die heroischen Taten der Kosaken und ihren Kampf um Freiheit und Frieden.

Im Zusammenhang mit dem Entstehen des ukrainischen Nationalismus zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelte sich auch ein neues Interesse an dem Nationalinstrument. Nachdem es sich über Jahrhunderte kaum verändert hatte, entstand durch die Gründung von Banduraorchestern ein großer Bedarf an neuen Instrumenten. Sie wurden nun teilweise industriell gefertigt, die asymmetrische Form erlaubte ab 1894 eine Vergrößerung der Saitenzahl auf eine vollchromatische Reihe, ebenso wurden teilweise Umstimmvorrichtungen für Halbtöne eingebaut. Die bandura fand Eingang in die Konservatorien, neben den bekannten Volksmelodien entstanden zahlreiche Kompositionen für Solo als auch Orchesterfassungen eigens für dieses Instrument.Die Sowjetmacht setzte 1935 dieser Entwicklung ein jähes Ende. Unter dem Vorwand ihre Lieder und Geschichten zu sammeln und aufzuzeichnen wurden die (meist blinden) kobzari nach Charkow eingeladen, wo sie ermordet wurden, um die Wurzeln der ukrainischen musikalischen Volkskultur zu zerstören und nationales Gedankengut zu unterdrücken.

Es gibt heute drei Arten von banduras, die im Gebrauch sind. Das ist einmal die oben beschriebene klassische Bandura, dann die Kharkiv-Bandura diatonisch mit Umstimmern (levers)oder chromatisch mit 34 bis 65 Saiten und die Kyiv-Bandura mit 55 bis 64 Saiten, die am häufigsten gespielt wird. Orchesterinstrumente werden in verschiedenen Größen hergestellt: prima,alto, bass und kontrabass.Es existieren zahlreiche Orchester, oft wird von den Mitgliedern nicht nur gespielt, sondern auch gesungen. Im Zuge der Unabhängigkeit scheinen diese Ensembles einen großen Zulauf zu haben.[614][618]

Video Koskakenlied [619]
Video Bandura solo [620]
Video Bandura solo modern [621]
Video 2 Bandura [622]
Video Banduraorchester [623]
Video Banduraorchester [624]

Sackpfeifen (Dudelsäcke) sind in Europa von Portugal bis zum Ural verbreitet. Auch in fast allen ost- und südosteuropäischen Ländern sind Abarten dieses Instruments mit unterschiedlichen Bezeichnungen vertreten. So heißen sie in Estland torupill, in Karelien pilai, in Lettland, Litauen und Weißrussland duda, in Polen kozol, in der Ukraine kosa, in Tschechien dudy, in der Slowakei gajdy, in Bosnien diple oder diplice, in Ungarn duda, im Banat dvonjci, in Mazedonien und Albanien gajde und in Bulgarien gaida. Die hier abgebildete Sackpfeife hat mir ein rumänischer Freund aus seiner Heimat mitgebracht, wo man es cimpoi nennt, aber auch die Begriffe  cempoi, cimponi, ciumpoi, simponi, chimpoi können dafür verwendet werden. In Teilen Rumäniens, in  Moldawien und dem Banat kann sie auch nach dem Namen der Spielpfeife caraba´genannt werden. Die östlichen Sackpfeifen weisen mit wenigen Ausnahmen, wie z.B. der bulgarischen gaida, als Merkmal Einzelrohrblätter auf, die etwas weicher klingen als ihre westeuropäischen Verwandten mit den oboeähnlichen Doppelrohrblättern.

Archäologischen Quellen zufolge ist die Sackpfeife seit dem 15. Jahrhundert in Rumänien bekannt. Sie besteht aus einem Balg aus Ziegen- (wie nebenstehend) oder Schaffell den man als burduf bezeichnet. Darin sind runde, hölzerne Anschlussstücke befestigt, in die die Spielpfeife, das Mundstück zum Einblasen und die Bordunpfeife einstecken kann. Der Luftsack, der üblicherweise unter dem linken Arm gehalten wird, wird mit Hilfe des Anblasrohrs gefüllt. Die Spielpfeife, durch die die Luft austritt, ist ca 10 cm lang und ist mit einem klarinettenartigen Einzelrohrblatt ausgestattet, das man aus Schilf, Erle oder Weide fertigt. Sie kann zwischen 5 und 8 Grifflöcher haben und weist manchmal am Ende eine Stürze aus Horn auf. Die Bordunpfeife ist ca 30 cm lang und besteht aus mehreren ineinandergesteckten Teilen, die man zum Stimmen benutzen kann. Sie erzeugt einen brummenden Bordunton, der typisch für den Klang des Instruments ist.

Man unterscheidet hauptsächlich nach der Form der Spielpfeife sechs verschiedene Arten von cimpoi. Deren Aussehen kann zylindrisch oder konisch sein, gerade oder gebogen,einzelne oder Doppelpfeifen haben. Bei Doppelpfeifen entfällt manchmal der Bordun, dafür wird ein ähnlicher Effekt mit einem Loch in der zweiten Pfeife erzielt, das man nach Bedarf mit dem kleinen Finger öffnet und verschließt. Die moldawische Form z.B. hat eine Spielpfeife mit 6 Grifflöchern und einem zusätzlichen Daumenloch. Der Durchmesser, die Form (rund oder oval) und die Abstände der Löcher zueinander können unterschiedlich sein. Manchmal korrigiert man die Stimmung durch Zugabe von Bienenwachs.

Früher weit verbreitet findet man die cimpoi heute fast nur noch im nördlichen Oltenien, Teilen der Dobrudscha und Moldawien, im südlichen Transsylvanien und Teilen des Banats.Im ausgehenden 20. Jahrhundert war sie nur noch selten bei Bauern und Schäfern im Gebrauch, hauptsächlich wurde sie bei Hochzeiten gespielt. Wenn keine professionellen lautari zu finden waren, griff man bei der Tanzmusik auf Flöte und cimpoi zurück.

[429 Kap Sackpfeife][607 Kap Cimpoi]

Video Cimpoi solo  [683]
Video Cimpoi Moldawien [684]
Video Cimpoi mit Orchester [685]
Video Cimpoi mit trad. Gruppe [686]

Die gadulka ist ein eine gestrichene Laute aus Bulgarien, sie wird auch als ganilka, kopanka, gjola, tsigulka und kemane, manchmal irreführenderweise auch als gusla bezeichnet. Im Aussehen gleicht sie der türkischen klassic kemenche, der kretischen lira und der dalmatischen lirica mit ihrem oval tropfenförmigen oder birnenförmigen Korpus. Dieser wird aus einem Stück Holz herausgearbeitet, meist vom Maulbeerbaum, der Esche oder dem Ahorn. Der kurze, breite Hals endet in einer runden, dreieckigen oder kleeblattförmigen Wirbelscheibe. Auf den Resonator ist eine Schalldecke aus Tannenholz aufgeklebt in die man  die "Augen" geschnitten hat, zwei D -förmige Schalllöcher. Früher waren die Saiten aus Schaf- oder Katzendarm gedreht, heute benutzt man Metallsaiten.. Sie sind an einem Saitenhalter aus Holz oder Knochen befestigt und verlaufen über einen Steg zu den hölzernen Wirbeln, wo sie direkt aufgewickelt sind. Der dünnwandige Steg steht mit einem Fuß auf der Decke, der zweite wird durch eines der Schalllöcher hindurchgeführt und steht auf dem Boden des Instruments um die Schwingungen der Saiten besser auf den Korpus zu übertragen.

Die gadulka besitzt drei Spielsaiten, seltener vier. Dazu kommen regional verschieden 1 bis 10 dünne, metallene Resonanzsaiten, die durch den Steg durch Bohrungen zur Halterung verlaufen. Von Region zu Region verschieden sind auch die Stimmungen der jeweiligen Instrumente. Die Variante aus Thrakien ist die größte mit dem vollsten Ton und am meisten verwendete; sie besitzt auch den größten Tonumfang, von a bis e2, die Saiten werden auf a1e1a gestimmt. In der Dobrudscha verwendet man eine a1a e1 - Stimmung und im Balkan a1e1d1. Man streicht die Saiten mit einem Bogen aus Kirschen- oder Weidenholz, der mit  Pferdehaar bespannt ist und mit Kolophonium  bestrichen wird. Über die Spielweise gibt es unterschiedliche Quellen. In Wikipedia wird das seitliche Berühren zum Verkürzen der Saiten als alleinige Spielform angeführt. Laut Grove Dictionary wird nur die oberste Saite so gespielt, die beiden restlichen sollen, mit den Fingerkuppen gespielt, auch auf den Hals niedergedrückt werden können. Dabei wird das Instrument in senkrechte Spielhaltung gebracht, entweder im Stehen durch einen Gurt um den Hals oder im Sitzen auf die Knie aufgesetzt.

Die gadulka war früher das bevorzugte Instrument der Volkssänger zur Begleitung von epischen Geschichten und traditionellen Liedern, sie wurde aber auch als Soloinstrument und in kleineren Ensembles wie im trio der Dobrudscha zusammen mit Akkordeon, gaida (Dudelsack) oder kaval (Flöte) verwendet. Darüberhinaus ist sie im großen bulgarischen Volksmusikensemble meist das führende Melodieinstrument zusammen mit der gezupften tamboura, gaida, kaval, und gelegentlich Akkordeon, Klarinette und Kontrabass sowie Rhythmusinstrumenten, hauptsächlich eine große Trommel. Die bulgarische Volksmusik zeichnet sich vor allem durch ihre vertrackten zusammengesetzten Rhythmen aus, die für Außenstehende schwer zu reproduzieren sind

[607, Kap. Gadulka][642]

Video Gadulka solo [643]
Video Gadulka u. Gesang [644]
Video 2 Gadulka mit Orchester [645]
Video Bulg. Chor mit Orch. [646]
Video Orchester rhythm [647]

Bei der kantele oder kannel handelt es sich um die finnische Version der im Baltikum weit verbreiteten Psalterien. Diese stehen in einem etymologischen Bezug zueinander, sie heißen in Estland ebenfalls kannel, in Karelien kandele, in Lettland kokle und in Litauen kankles. Wie schon erwähnt stehen  sie in enger Verwandtschaft zur russischen Flügelgusli, die sich in Aufbau, äußerer Form, Ornamentik und Spieltechnik kaum unterscheidet. Die vorstehend gemachten Aussagen treffen in gleicher Weise mit wenigen Abstrichen auch auf die baltischen Instrumente zu.

Die Instrumente wurden ursprünglich aus einem Block Erle, Fichte, Birke oder Ahorn in Form eines unregelmäßigen Dreiecks oder Trapezes herausgearbeitet. Dies konnte von oben, von unten oder von der Seite aus bewerkstelligt werden. Geschah dies von oben, wurde der entstandene Hohlraum  durch eine aufgesetzte Decke meist aus Tannenholz wieder geschlossen. Wurde von unten oder der Seite ausgehöhlt, blieben die Instrumente meist offen. Ein einziges oder mehrere Schalllöcher unterschiedlicher Form ( z.B. Rundloch, Kreuz, Blume) wurden ausgeschnitten und die restliche Decke oft mit Ornamenten verziert. Die Größen waren schwankend, in Museen findet man Instrumente mit 45 bis 100 cm Länge, 10 bis 32 cm Breite und 3 bis 11 cm Dicke. Die Saitenzahl lag zwischen 5 und 15, meistens aus Kupfer oder Stahl. Sie wurden an einem Stab befestigt, der häufig aus Metall war. Er wurde im schmaleren Teil der Instrumente in einer Kerbe gehalten Von hier aus verliefen sie parallel zur Decke und fächerförmig zum breiteren Ende mit den hölzernen Stimmwirbeln. Diese lagen in einem schrägen Winkel zur Haltestange, so dass die Saiten eine unterschiedliche Länge aufwiesen. Die fünfsaitige finnische kantele war in einem Dur-, Moll- oder neutralem Pentakkord gestimmt. Instrumente mit einer größeren Saitenzahlwaren diatonisch gestimmt, dabei wurde oft die tiefste Saite  als Drone benutzt. Die Decke war manchmal (siehe Flügelgusli ) am breiteren Ende über den Resonator hinaus weitergeführt, dieser Teil wird mit dem estnischen Begriff laba (= Schaufel, Paddel) bezeichnet. Diese Bauform war in Finnland aber kaum bekannt, später  kommt eine halbrunde Ausbuchtung am schmalen Ende hinzu, estnisch ponsi genannt. Laba und ponsi scheinen etwas mit der Spielhaltung des Instruments zu tun zu haben. Die Psalterien konnten waagrecht auf den Knieen oder auf dem Tisch liegend gespielt werden. Eine zweite Art war die senkrechte Haltung, bei der die breitere Seite auf die Kniee gestützt und der schmalere Teil gegen den Körper gehalten wurde. Bei beiden Arten  lag die kürzeste Saite mit dem höchsten Ton dem Spieler am nächsten. Da das ponsi -Teil mit den Knieen gehalten werden konnte, diente es der Stabilisierung des Instruments. Das laba - Teil soll dazu geholfen haben, den linken Arm in der vertikalen Position zu halten. Zwei Spieltechniken kann man bei allen baltischen Formen des Psalteriums unterscheiden (siehe gusli), einmal das Spiel mit dem Plektrum in der rechten Hand, mit dem man im Arpeggiostil über alle Saiten fährt während die linke Hand die ungewollten Saiten dämpft. Diese Technik wird oft bei der akkordischen Liedbegleitung angewendet. Zum Spielen von Melodien benutzt man eher die Zupftechnik, bei der mit den Fingern beider Hände die Saiten zum Klingen gebracht werden, um Mehrstimmigkeit oder auch Akkorde zu erzeugen, Mischformen sind weit verbreitet.

Im 19. Jahrhundert veränderte man die Bauweise und setzte die Instrumente nach dem Vorbild der alpenländischen Zither aus mehreren Einzelteilen in Kastenbauweise zusammen. Die Saiten dieser diatonischen Instrumente verliefen nun parallel zueinander und ihre Zahl wurde auf 24 bis 32, bei einzelnen sogar bis auf 36, erhöht. Sie wurden nun an Metallstiften befestigt und mit Metallwirbeln gespannt. Spieltechniken der Zither, wie z.B. der Daumenring, wurden teilweise übernommen. In neuester Zeit werden chromatische Instrumente gebaut und solche mit Halbtonklappen sowie Mechaniken zum Dämpfen.

In den baltischen Staaten haben die Psalterien in der Volksmusik eine herausragende Stellung und sind zu einem Symbol nationaler Identität geworden. In Finnland sticht die kantele vor allem dadurch hervor, dass man mit ihr traditionell die Runen (Verse) des Nationalepos kalevala untermalt. Nach einem Mythos, der in einer solchen Rune enthalten ist, soll der weise Väinämöinen die erste kantele aus dem Kieferknochen eines Hechts gebaut haben, die er mit Mädchenhaaren bespannte. Im Zusammenhang mit der Begleitung der kalevala - Runen (in Estland dem kalevipoeg) sollen die baltischen Psalterien ihren Ursprung in vorchristlicher Zeit haben [429, Kap. Finn.-ugr. Musik] Den Instrumenten wird manchmal eine magische Funktion zugedacht, man verwendet sie in Ritualen, begleitet Volkslieder und Volkstänze oder spielt sie einfach nur zur persönlichen Erbauung. Trotz mehr als 100 Jahren Forschung bleiben Ursprung, Geschichte und Verbreitung der baltischen Psalterien letztendlich im Dunkel. Die frühesten Funde stammen aus dem 11. - 15. Jahrhundert aus Nowgorod, Pskow, Oppeln und Danzig. Sie haben alle das gleiche Aussehen wie die frühen baltischen Instrumente. Auffällig ist, dass einige von ihnen eine breite Öffnung im Korpus haben, was auf eine Verwandtschaft mit der Leier hindeuten könnte.

Die kokle ist die lettische Variante der baltischen Psalterien. Bei der traditionellen Form unterscheidet man zwei Typen, die kleinere Kurzeme und  die größere  Latgale - Form. Die Latgale - Form hat zwischen 9 und 12 Saiten, selten weniger.(siehe Bild kokle traditionell). Erstere besitzt bei einem schmalen Korpus 5 - 9 diatonisch angeordnete Saiten, die tiefste wird dabei eine Quarte tiefer gestimmt und dient als Bordun. Sie ist massiver gebaut und reicher dekoriert z.B. mit verschieden gestalteten Schalllochformen. Hier findet sich auch die Flügelform wieder, die dem Instrument einen kräftigeren Ton verleiht. Die kokle wird überwiegend auf dem Schoß liegend gespielt, mit der kürzeren Seite zum Körper weisend. Die Spieltechnik ist die gleiche wie bereits dargestellt.

Unter dem Einfluss der alpenländischen Zither wurden Ende des 19./Anfang des 20. Jahrhunderts wichtige Änderungen an der kokle vorgenommen. Die Saitenzahl stieg auf 17 und manche Instrumente hatten bis zu 30 einzelne oder Doppelsaiten. Die Stimmung blieb diatonisch, manchmal wurden 2 - 3 Basssaiten hinzugefügt. Oft wurde ein Steg eingesetzt und metallische Stimmwirbel ersetzten die hölzernen. Der Korpus wurde aus Einzelteilen zusammengesetzt und zitherähnliche Spieltechniken adaptiert. Die Zither selbst wurde adaptiert und es entstanden Hybridinstrumente mit Melodiesaiten wie die kokle und Begleitakkorden, die wie eine Akkordzither gespielt wurden. (siehe Video 671).

Ab den 40er Jahren des 20. Jahrhunderts wurden die Instrumente immer mehr verbessert. Die Saitenzahl wurde weiter vergrößert und eine vollchromatische Reihe erreicht, vor allem auch durch den Einbau von Umstimmvorrichtungen. Auch Dämpfungssysteme sind an heutigen Konzertkokles zu sehen, sie wird auch in unterschiedlichen Stimmlagen - sopran, tenor, bass - angeboten.

[607 Kap. Kokle]

Unter tambura versteht man eine Familie von Langhalslauten, die überwiegend in Kroatien und der Vojvodina in den tamburaski ansambli  gespielt wird. Dazu zählen bisernica,  brac´, célo, bugarija und berda.
Die höher gestimmten Instrumente können eine ovale Form haben oder einen birnenförmigen Korpus aufweisen wie bisernica und tambura brac´ (siehe Bilder). Vor allem bei älteren Instrumenten findet sich die letztere Form, was auf ihre Herkunft hindeutet. Tiefer gestimmte Instrumente ähneln im Aussehen deutlich der Gitarre ( brac´ (teilweise), célo und bugarija), sie werden aber nicht mit den Fingern gezupft, sondern mit einem Plektrum ähnlich der Mandoline angeschlagen.

Diese älteren, birnenförmige Instrumente haben ihre Vorläufer wohl in der Familie der persisch-arabischen tanbur, die im frühen 19. Jahrhundertvon den Türken auf den Balkan gebracht worden waren und sich von Bosnien aus über Kroatien und die Vojvodina verbreiteten. Im Verlaufe der Biedermeierzeit bildeten sich Ensembles, die Gitarreninstrumente integrierten. Ihre Form dominiert heute, mit Ausnahme der bisernica, die sich in der Form meistens absetzt.
Die bisernica (= Perle, Perlchen)ist das kleinste Instrument der Tamburaorchester, man nennt sie auch tamburica. In einigen Regionen heißt sie prim, die 2. bisernica im Orchester wird auch als kontrasíca oder terzprim bezeichnet. Ihr Korpus wird aus Ahorn, Fichte, Kirsche oder einem anderen Obstholz hergestellt. Dies geschah früher aus einem Block des Materials, später wurde der Korpus aus Holzstreifen zusammengesetzt. Manche besitzen 8 - 24 dünne Bohrungen in der Decke, andere zeigen ein rundes Schallloch. Die 4 - 6 Stahlsaitenwerden mit einem Plektrum gespielt und können, lokal verschieden, unisono oder eine Terz bzw. Quinte tiefer gestimmt sein. Auf der obersten Saite, die oft doppelchörig ist, wird die Melodie gespielt, die restlichen dienen als Bordune. Auf dem Hals sind Metallbünde bzw. Halbbünde eingelassen, was auf eine zunächst diatonische Bundanordnung schließen lassen könnte.Die bisernica kann zwischen 45 und 115 cm lang sein, üblich sind 70 - 90 cm.
Das nächst größere Instrument im tamburaski ansambli ist die tambura brac´, sie ist zwischen 88 und 97 cm lang und ist wie die bisernica gestimmt. Sie kann im Orchester ebenfalls die Melodiestimme übernehmen, spielt meistens aber in mittleren Tonlagen. In größeren Ensembles ist sie wie die bisernica mehrfach besetzt. In einigen Gegenden heißt die 1. brac´ bassprim, die 2. brac´terzbassprim oder auch bassprimterz. Im Aussehen gleicht sie der verwandten bulgarischen tambura. Teilweise wird sie heute  auch in Gitarrenform gebaut.
Das dritte Melodieinstrument mit einer Größe von 105 bis 108 cm ist das stets gitarrenförmig gebaute célo, auch célovic´oder célo-brac´genannt. Sie ist eine Oktave tiefer gestimmt als die brac´ und spielt meist die Gegenmelodie zu den beiden hohen Instrumenten.
Sie ist in kleineren Ensembles seltener vertreten.
Die gitarrenähnliche bugarija, auch kontra genannt, wird als Rhythmusinstrument zur Begleitung verwendet. Sie ist 3 oder 4-saitig und ist im Aussehen,der Größe und dem Gewicht ein Pendant zum célo. Sie spielt fast immer akkordische Gegenschläge zum Bass, daher rührt auch die Bezeichnung kontra.
Der Bass im Tamburaorchester wird als berda oder beges´ bezeichnet. Mit einer Größe von 140 bis 160 cm ist er fast baugleich mit unserem Kontrabass. Das kroatische Instrument besitzt aber Bünde und wird fast ausschließlich mit einem Plektrum aus Leder oder Plastik gezupft.

Die tambura - Instrumente werden gespielt wie die Mandoline; die Saiten werden mit einem Plektrum im Abschlag oder Wechselschlag zum Klingen gebracht, wenn kurze Notenwerte verlangt sind. Längere Werte werden in der Regel im Tremolo wiedergegeben, das man in Kroatien als trzanje bezeichnet wird. Dadurch erinnert der Klang der tamburaski ansambli an den Klang von Zupforchestern, die im Prinzip ähnlich aufgebaut sind (1. Mandoline, 2. Mandoline, Mandola, Gitarre, Bass ). Für die Stimmung innerhalb der Orchester existieren mehrere lokal unterschiedliche Varianten, die z.B. auf Milutin Farkas oder Alfons Gutschy zurückgehen, eine Darstellung würde hier den Rahmen sprengen.

Die ersten Ensembles mit tambura - Instrumenten waren klein und bestanden aus wenigen Amateurmusikern, die Gesang und Tanz begleiteten. Im ausgehenden 19. Jahrhundert vergrößerte sich die Anzahl der Instrumente, die Orchester waren breiter besetzt, man spielte traditionelle und patriotische Literatur und eigens im Volksmusikstil komponierte Arrangements. Im 20. Jahrhundert wurden die tamburaski ansambli  immer professioneller, sie standen oft in Verbindung mit Radiosendern, die ihre Musik verbreiteten. Seit den 80 er Jahren, im Zusammenhang mit den politischen und militärischen Auseinandersetzungen auf dem Balkan, wird diese Art von Musik in Kroatien auch als ein Bestandteil nationaler Identität aufgefasst. Entsprechend groß ist auch ein gewachsenes Interesse der Jugend an den tradierten Musikformen.[607, Kap. Tambura(ii)] [672][673]

Video Tamburica solo [674]
Video Tamburaski Gruppe [675]
Video Slawon. Folklore [676]
Video Tamburaski ork [677]
VideoTamburasci groß [678]
Video Tamburasci groß [679]
Video Tamburasci mit Gesang [680]

Die dvojnice ist eine endgeblasene, doppelte, meist gedackte Flöte, die in fast allen Teilen Kroatiens in leicht unterschiedlichen Varianten gespielt wird. Je nach Region wird sie auch als dvojnica, zveglica, dipla, dvogrla, dvojkinja oder vidalica bezeichnet. Auch in anderen Teilen Ex-Jugoslawiens ist sie unter Bezeichnungen wie dvojenice (westl. Serbien), dvojanka und slagarka (Mazedonien) zu  finden, ähnliche Instrumente sind auch in der Ukraine (dvodentsivka), Bulgarien (dvoyanka) und in Albanien (culedyjare) beheimatet.

Zur Herstellung der Doppelflöte werden zwei zylindrische Röhren in ein massives Holzstück gebohrt. Das obere Ende ist als schnabelförmiges Mundstück ausgebildet, beide Flöten (jedinkas) werden immer simultan gespielt, die Kerbe des Anschnitts zeigt in Kroatien immer nach oben. Der Luftstrom, den der Spieler erzeugt, wird direkt auf die Kante des Labiums geleitet. Das Mundstück und die rechteckige Oberfläche des Instrumentenoberteils sind mit eingeschnitzten oder eingebrannten geometrischen Motiven fast vollständig ornamentiert. Im unteren Teil werden die beiden Rohre durch einen Einschnitt voneinander separiert, am Ende aber bleibt ein Verbindungssück erhalten. In Kroatien hat die rechte Bohrung (vom Spieler aus gesehen) vier und die linke drei Grifflöcher, seltener sind fünf rechts und vier links. In Bosnien, der Hercegovina und Teilen Serbiens hat umgekehrt die linke Flöte die größere Zahl an Grifflöchern. Wegen der besseren Spielbarkeit mit den Fingerkuppen sind diese leicht ins Holz eingelassen. Oft sind beide Rohre am Ende mit einem Holzpflock verschlossen, der nur eine schmale Öffnung freilässt. Das Instrument wird immer beidhändig gespielt, wobei beide Daumen von hinten als Stütze dienen. Die übliche Länge der dvojnice liegt zwischen 31 und 36 cm.

Die dvojnice hat nur einen begrenzten Tonvorrat, nur sechs Töne können in einer Oktave wiedergegeben werden. Durch Überblasen kann man in eine höhere Oktave wechseln. Geschickte Spieler vermögem durch Veränderung des Neigungswinkels sogar auf beiden Flötenrohren in unterschiedlichen Oktaven zu spielen. Für alle dvojnice - Typen des Balkans ist die zweistimmige Spielweise, ein Stil, der als cobanska svirka  (nach Art der Schäfer) bezeichnet wird. Gemeint ist eine Art von Improvisation, die auf die Herkunft des Instruments im ruralen Bereich als Instrument zum Zeitvertreib hindeutet und die sich auf alte Vokaltraditionen stützt, bei denen die Melodielinien oft in Terzen geführt wurden. Ihr weites Verbreitungsgebiet weist auf die Popularität der dvojnice hin, die heute auch in der Tanzmusik ihre Verwendung findet. [607, Kap. dvojnice][689][690]

Video dvojnice solo [691]
Video dvojnice Duett [692]
Video dvojnice Tanzmusik [693]